La improbable verosimilitud de Shakespeare

|| Defensa de Shakespeare y ataque 10

La mujer de Diómedes en el atrio de la mansión pompeyana del príncipe Napoleón, Gustave Boulanger, 1860

La mujer de Diomedes en el atrio de la mansión pompeyana del príncipe Napoleón, Gustave Boulanger, 1860 [Public Domain via Wikipedia Commons]

Después de enumerar una interminable suma de defectos que llega a hacernos dudar de si quedará todavía algo que elogiar en Shakespeare, Samuel Johnson comienza a desgranar las virtudes del dramaturgo inglés.

Es aquí donde se puede leer la célebre anécdota acerca de la verosimilitud. Se reprocha a Shakespeare, nos dice Johnson, romper las convenciones del teatro tradicional, como la unidad de tiempo y lugar. En el primer acto los personajes están en Sicilia, y en el segundo en Atenas, pero, ¿cómo puede creer un espectador, que no se ha movido del teatro en ningún momento, que ahora esté en Atenas y un momento después se encuentre en Sicilia? Johnson responde que el espectador nunca ha creído que se encontrara en Sicilia o en Atenas, sino que en todo momento ha sabido que se hallaba en el lugar donde tales cosas son posibles: un teatro.

Argumentos parecidos a este de Johnson se encuentran en el Racine et Shakespeare, de  Stendhal, y en el Prefacio a Cromwell, de Victor Hugo:

“No hay nada tan inverosímil y tan absurdo como el vestíbulo, el peristilo o la antecámara, sitios públicos en los que nuestras tragedias se desarrollan, en los que se presentan, no se sabe cómo, los conspiradores a declamar contra el tirano y el tirano a declamar contra los conspiradores, por turno, como si se hubieran dicho bucólicamente: “Alternis cantemus; amant alterna Camenoe” (“Cantemos alternativamente, las Musas aman el canto alterno”, Virgilio, égloga III). ¿Han existido jamás peristilos de esa clase? ¿Hay algo más opuesto, no sólo a la verdad, sino también a verosimilitud?”

Entiendo que las palabras esconden una crítica al uso de esos peristilos teatrales, de esos atrios rodeados de columnas situados en el escenario de los teatros franceses, donde los personajes se jugaban su futuro, declamando al aire mismo, como también se hacía en la ópera, cuando Ariodante y Ginebra, o Lucia y Edgardo declamaban mirando hacia el público, sin cruzarse siquiera una mirada fugitiva. Se trataba de una puesta en escena muy artificiosa, pero que respetaba la supuesta (quizá de manera errónea) esencia de la ópera: el público va allí a escuchar, no a ver. Según los cronistas antiguos, el público iba a la ópera no a escuchar, sino a hablar. A hablar durante toda la representación y a escuchar a sus amigos, no a los cantantes, aunque de vez en cuando hacían una pausa para escuchar las arias más celebradas.

Hay que decir, por otra parte, que esa representación ateatralizada es una tendencia de nuestra época, que a veces muestra el poder de un escenario desnudo, como en tantos grandes montajes shakesperianos de Declan Donnellan. Aunque siento gran admiración por Donnellan y por los directores que devuelven a los actores su poder sobre las tablas, me parece que a veces llegan a extremos de minimalismo excesivos, que hacen que la representación se parezca más a un recitado de versos y prosas que a una dramatización teatral. Esa es la impresión que me llevé del montaje, realizado por el propio Donnellan, de Macbeth.

En mi opinión, en  la dramatización no está solo el texto en sí, sino también la escenificación del espacio y el tiempo, el trascurso de las horas y el recorrido en el espacio, elementos que nos trasladan de manera narrativa de una a otra declamación y que hacen que aquello sea una obra dramática, y no tan solo una sucesión de textos o una mera demostración de virtuosismo versificador y de habilidad recitadora. Tampoco hay que olvidar que el propio Shakespeare, a pesar de los escasos medios con los que contaba, siempre quiso crear la ilusión en el espectador de que en esa O de madera estaban los campos de Francia, que temblaban ante la carga de la caballería, aunque para ello el espectador tuviera que poner mucho de su parte.

Macbeth en el montaje de Declan Donnellan

Macbeth en el montaje de Declan Donnellan

En cuanto a la pregunta de Víctor Hugo acerca de si existieron alguna vez esos peristilos, la respuesta es  sí. Sí que existieron. Existieron en Grecia, en Egipto, en Roma e incluso en el magnífico palacio de Knossos. Y es muy probable que más de una vez algunos conjurados planearan, en uno de esos lugares, un asesinato como el de César.

creata-knosos

Sala de la columnata de Knossos. ¿Puede dudarse de que exista la belleza tras ver esto?

Continuará…


prefacioashakespeare

Defensa de Shakespeare y ataque

Ver también: Escribir sobre Shakespeare

Todas las entradas de literatura en: El resto es literatura

WILLIAM SHAKESPEARE

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La televisión interactiva

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 8

tv-sms

Antes de que empezará a contar con las posibilidades interactivas de los ordenadores, la interactividad había llegado  a la televisión de varias maneras, por ejemplo con los mensajes SMS que se pueden recibir en tiempo real y ver en la pantalla del televisor. Éste es un ejemplo tosco de lenguaje no lineal: el espectador puede elegir entre leer los mensajes de SMS que aparecen en la pantalla o seguir el programa de la televisión, o ambas cosas a la vez si es capaz. Pero hace ya bastantes años surgieron propuestas de interactividad televisiva mucho más sofisticadas, desarrolladas sobre todo en Estados Unidos, en los países nórdicos y en Gran Bretaña y que algunos llaman crossmedia, porque mezclan medios como la televisión, los ordenadores o la telefonía. En Masterplace, el espectador decidía qué pruebas tienen que hacer los participantes; en Thunderyard, cada persona elegía qué capítulos quería ver de una serie y en qué orden; en Tweeby, un canal de televisión infantil, los niños creaban los contenidos desde sus casas y también interactuaban en directo.

De todos modos, como dice Xavier Berenguer en «Escribir programas interactivos», por muy multilineal e interactiva que sea una narración, siempre será recibida por el espectador en forma lineal:

“Todos los narradores se enfrentan al mismo problema, esto es, desplegar una serie de acontecimientos a lo largo del tiempo. La única diferencia es que en el medio interactivo se ha de prever más de un despliegue, se han de prever muchos, y cuanto más variados mejor.

Todo esto, por supuesto, ya se podía hacer antes del advenimiento del mundo digital, pero ahora la narración no lineal y multilineal, o la interactividad, están conociendo un desarrollo impresionante. De qué manera cambiará esto el lenguaje audiovisual todavía no se sabe, pero sí está claro que se están creando nuevos híbridos entre cine, literatura y cómic en las diversas pantallas: cine, televisión, videojuegos, teléfonos móviles, ordenadores. Eso significará un mercado de trabajo inmenso para los guionistas, porque hay que recordar que los guionistas no se limitan a escribir para el cine o los programas, las series de televisión y los documentales, sino que también hay guiones detrás de cosas como videoclips, vídeos de karaoke, páginas web o animación virtual de todo tipo. Y también detrás de los videojuegos, que algunos consideran ese octavo arte perdido entre el séptimo (cine) y el noveno (cómic). Así que, quien quiera ser guionista profesional no puede limitarse a entender el medio audiovisual sólo en su aspecto más llamativo (el cine), en el que pocos guionistas llegan alguna vez a trabajar: tienen que pensar en las nuevas pantallas.

 

 Continuará…

 


Fotomontaje: Daniel Tubau

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(1) ¿Por qué el Séptimo Arte?
(2) Extensiones audiovisuales
(3) El cine y los otros medios
(4) Cine y comic
(5) Cine y literatura
(
6) Cine y televisión
(7) Los nuevos medios audiovisuales

 


lasparadojasreji-logoEste artículo es una selección de algunos pasajes de mi libro Las paradojas del guionista, reglas y excepciones en la práctica del guión (Alba editorial, 2007) que escribí con motivo de mi participación en un congreso en París en 2008 llamado “Rencontres Europeennes des jeunes et de l’image”.

Web page: Las paradojas del guionista
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ENTENDIENDO LOS NUEVOS MEDIOS AUDIOVISUALES 1


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Las paradojas de Las paradojas del guionista, aunque aquí se añaden nuevas ideas y consideraciones, mostrando que incluso existen interesantes excepciones a las propias excepciones.

El medio es y no es el mensaje

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El guionista debe trabajar para que su trabajo no se note
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Las 38 paradojas del guionista (y algunas más)

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The new audiovisual media

Understanding new audiovisual media 7

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The development of computers and digital recording systems, editing and reproduction, has brought important changes in the audiovisual field by making accessible things there were until now very expensive or almost impossible to direct. In films such as Peter Jackson’s The Lord of the Rings, almost 70% of images were treated digitally. The digital revolution has not only brought changes in technique, but also in narration and,  consequently, it changed dramatically the work of scriptwriters.

A noticeable evolution concerns the development of non-linear narrations, which are stories that unfold continuously from the beginning to the end, but that offer many possibilities to the viewer: several evolutions can be chosen, or several outcomes are made possible.

When Julio Cortazar wrote Hopscotch, he tried to do something similar: the reader must not read the book from the first chapter until the last one, but can start wherever he/she wants, and skip chapters just as he/she wishes. In the same way, in an audiovisual narration made for an IT support (but also for television or a mobile phone) the scriptwriter can provide the viewer with several possibilities, creating thus personalised plots.

If interactivity with the viewer is something that can always be resorted to in theatre, it is not the case with cinema. Modern artistic performances, happenings and other contemporary art performances also try to create such interactivity.  Audiovisual media, including cinema, used to remain outside this evolution, but things have changed very quickly.

To be continued…

 


Photomontage: Daniel Tubau

 

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1) Why the Seventh Art? 
(2) Audiovisual extensions
(3) Cinema and other media
(4) Cinema and comic
(
5) Cinema and literature
(6) Cinema and television

contact: danieltubau@gmail.com

 


lasparadojasreji-logoThis article is a selection of passages taken from my book, The scriptwriter’s paradoxes: rules and exceptions in the practise of a scenario (Las paradojas del guionista, Alba Editorial, 2007) aimed at people interested in scriptwriting, and narration in general. The book explores the different theories and manuals existing on the subject, while listing forty paradoxes with which a scriptwriter might be faced.

Web page: Las paradojas del guionista
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The scriptwriter’s paradoxes

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Los nuevos medios audiovisuales

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 7

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El desarrollo de los ordenadores y los sistemas digitales de grabación, edición y reproducción ha traído grandes cambios al medio audiovisual.

Por un lado, ha hecho fáciles cosas que hasta hace poco resultaban muy costosas o casi imposibles. En películas como El señor de los anillos, de Peter Jackson, casi el 70% de las imágenes ha sido tratado digitalmente.

Por otro lado, la revolución digital no sólo trae cambios en la técnica, sino también en la narración y, por tanto, en el trabajo de los guionistas. Uno de estos cambios es el auge de las narraciones no lineales, es decir, de historias que no se desarrollan en una línea continua de principio a fin, sino que ofrecen diversas posibilidades al espectador: distintos desarrollos entre los que elegir, o desenlaces diferentes.

Cuando Julio Cortázar escribió Rayuela intentó algo similar: el lector no estaba obligado a leer el libro desde el primer capítulo hasta el último, sino que podía empezar por donde quisiera y seguir saltando de un capítulo a otro según se le antojase. Del mismo modo, en una narración audiovisual para ordenador (pero también para televisión o teléfono móvil) el guionista puede ofrecer al espectador diferentes posibilidades, creando cada usuario un relato personalizado.

La interactividad con el espectador es un recurso del que siempre ha dispuesto el teatro, pero no el cine. Las modernas acciones, happenings y performances del arte moderno también buscaban y buscan esa interactividad. Los medios audiovisuales, incluido el cine, se habían quedado al margen de este juego, pero las cosas están cambiando muy rápidamente.

Continuará…

 


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Cinema and television

Understanding new audiovisual media 6

cineytelevision

Cinema and television have many things in common, but when directing something for television or for cinema, differences are big. The type of shots used in television are, basically, the close-up or the three-quarter shot, since any other type or remote shot loses its strength and definition. Shots with two or three characters are favoured, and groups are avoided. Naturally, these limitations proper to television tend to diminish when the size and the definition of a screen is bigger (but paradoxically, this type of plans come back with the use of new screen types, such as screens on mobile phones.).

Concerning the narrative conception, the differences between cinema and television are summed up in the most lapidary way by this sentence: “Television is radio with pictures”. If the reader observes a television series, he/she will notice that even without looking at the screen, it can be easily followed and nothing important will be “missed”. Consequently, scriptwriters in television usually do not write scenes that are incomprehensible without
pictures.

 

[Note in 2016: Obviously, in last years, the list of quality television series that are not limited to being “Radio with pictures” have increased astonishingly in Premium or Cable TV Channels, like HBO, AMC, Netflix, Amazon and even in conventional channels too. They have also improved screens, including mobile devices, both in size and, especially, in definition]

To be continued…


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Cine y televisión

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 6

cineytelevision

Cine y televisión tienen bastantes cosas en común, pero son muchas las diferencias entre grabar para la televisión o rodar para el cine. El tipo de planos que funcionan bien en televisión son fundamentalmente los primeros planos y los planos medios, porque cualquier plano más lejano pierde fuerza y definición. Se privilegian los planos en los que aparecen dos o tres actores, y se evitan los grupos amplios. Naturalmente, estas limitaciones de la televisión tienden a ser menores a medida que aumenta el tamaño de las pantallas y mejora la definición (pero, de forma paradójica, se acentúan en nuevas pantallas, como las de los teléfonos móviles).

En lo que se refiere a la concepción narrativa, la frase más lapidaria acerca de las diferencias entre cine y televisión es: «La televisión es radio con imágenes». Si el lector observa una serie de televisión convencional, se dará cuenta de que, aunque no mire hacia la pantalla, se entera fácilmente de todo lo que sucede y no se pierde nada «importante».

Esto tiene como consecuencia que los guionistas de televisión raramente escriben escenas que no se entiendan si no se ven.


 

[Comentario en 2016: Como es obvio, en los años trascurridos, la lista de series de televisión de calidad que no se limitan a ser “Radio con imágenes” se han incrementado de manera asombrosa en canales de pago y Premium como HBO, AMC, Netflix, Amazon e incluso en los convencionales. También han mejorado las pantallas, incluso las de los dispositivos móviles, tanto en tamaño como, de manera especial, en definición]

 

Continuará…


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Cine y literatura

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 5

El lector puede intentar traducir este texto literario al medio cinematográfico:

“Caminé durante media hora y vi la casa. Llamé a la puerta y nadie me respondió, así que entré. Avancé por un pasillo con las paredes cubiertas de estanterías llenas de libros y llegué al salón. No había nadie. En una mesa había varias botellas. Me serví una copa y me senté. Sonó el timbre. Abrí la puerta.

–Hola.

–Hola.

Entramos en el salón y nos sentamos. Eran las tres de la tarde”.

Cuando en mis clases propongo convertir el texto anterior en un guión en el que se indique claramente todo lo que se necesita pedir a los productores (localizaciones, actores, atrezzo), se obtienen resultados sorprendentes. El más llamativo es que más del 80% de los alumnos elige como protagonista a un hombre.

Grandes esperanzas, de Charles Dickens (Ilustración de Marcus Stone, 1890)

Grandes esperanzas, de Charles Dickens (Ilustración de Marcus Stone, 1890)

El lector puede repasar el texto y verá que no hay ninguna palabra que indique el sexo del protagonista. Mi opinión es que un resultado tan desequilibrado entre hombres y mujeres no puede deberse a la casualidad: es evidente que existen códigos narrativos implícitos que nos hacen pensar que el protagonista de una historia es casi siempre un hombre. Códigos y convenciones tan definidos como los del cómic, pero que también pasan inadvertidos. Pero el hecho es que los alumnos (90%) y las alumnas (76%) eligen mayoritariamente a un protagonista masculino, cosa que pueden hacer porque nunca se indica el sexo del protagonista.

La indeterminación entre un protagonista masculino o femenino, fácil de conseguir en la literatura, no se puede dar tan fácilmente en el cine, a no ser que nuestra historia trate de alguien enmascarado o de un transexual, pero entonces será difícil esconder al espectador que sucede algo extraño o poco habitual, como al usar la cámara subjetiva.

Fantomas, 1911Si un personaje de novela entra en un salón, hay muchas cosas que no hace falta describir: si la chimenea está encendida, cuántos sillones hay en el salón, si entra luz desde el exterior. En el cine la imaginación del lector es sustituida por el trabajo de decoradores, iluminadores, atrezzistas y encargados de vestuario. Aunque el guionista no sea explícito respecto al decorado o al vestuario, el director tendrá que decidirse por un sillón clásico o moderno, un vestido azul o rojo, un actor u otro, una casa de campo o un apartamento. En una película no hay casi nada casual: las paredes han sido construidas siguiendo instrucciones precisas del decorador o escenógrafo, los objetos han sido seleccionados con ayuda del atrezzista, los actores visten ropa elegida por los encargados de vestuario, la iluminación depende del iluminador, y los actores dicen las frases escritas por el guionista y se mueven según las indicaciones del director. Todas estas decisiones son importantes, porque condicionan la narración de manera inevitable.

Por otra parte, las características de los medios audiovisuales permiten, por supuesto, hacer cosas que son impensables en otros medios. En Desmontando a Harry, Woody Allen cuenta la historia de un actor desenfocado, interpretado por Robin Williams. No se trata de que esté desenfocado por culpa de la cámara, sino que está realmente desenfocado, como quien tiene la gripe. Es algo que en una novela apenas tendría sentido: hay que verlo.

Robin Williams desenfocado en Desmontando a Harry, de Woody Allen

Robin Williams desenfocado en Desmontando a Harry, de Woody Allen

 

Continuará…


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(1) ¿Por qué el Séptimo Arte?
(2) Extensiones audiovisuales
(3) El cine y los otros medios
(4) Cine y comic

 


lasparadojasreji-logoEste artículo es una selección de algunos pasajes de mi libro Las paradojas del guionista, reglas y excepciones en la práctica del guión (Alba editorial, 2007) que escribí con motivo de mi participación en un congreso en París en 2008 llamado “Rencontres Europeennes des jeunes et de l’image”.

Web page: Las paradojas del guionista
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Entendiendo los nuevos medios

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Las paradojas de Las paradojas del guionista, aunque aquí se añaden nuevas ideas y consideraciones, mostrando que incluso existen interesantes excepciones a las propias excepciones.

El medio es y no es el mensaje

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El guionista debe trabajar para que su trabajo no se note
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Cine y comic

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 4

comic-en blanco

Los bocadillos o globos de los personajes de esta historieta están en blanco, el lector puede intentar construir una historia, rellenándolos.

Cuando este ejercicio es propuesto a alumnos de guión, se obtienen algunos resultados muy interesantes. El primero de ellos es que los alumnos construyen una narración casi sin darse cuenta, lo que les demuestra que contar historias es más fácil de lo que parece si no se piensa que es algo demasiado importante (y casi nadie pensaba hasta hace poco que el cómic fuera algo importante).

Por otra parte, casi todos los alumnos suelen cometer un mismo error: no respetan las reglas del medio, en este caso del cómic.

comic- fuera de balloon

 

Escriben desbordando los bocadillos del diálogo, o los recuadros para las acotaciones.

Esto, traducido al cine o la televisión, sería como si un personaje siguiese hablando con la boca cerrada: el bocadillo en el cómic cumple la función del sonido para el medio audiovisual.


comic-largo

Dejan un bocadillo vacío

 En cine sería como si un actor abriese la boca y no escuchásemos nada. Tal vez sería una buena forma de representar el cine mudo en el cómic, pero no el cine sonoro. En cualquier caso, quebranta las reglas elementales del cómic.

comic-ininteligible

Utilizan letra minúscula, a menudo muy difícil de leer

En una producción audiovisual sería como un diálogo ininteligible porque los actores hablan demasiado bajo.

Existen otros códigos del cómic que pasan inadvertidos a sus lectores porque están tan acostumbrados a ellos que los consideran como lo más natural del mundo, pero que fueron creados en algún momento por autores tan innovadores como aquellos primeros cineastas que decidieron mover la cámara y seguir al actor.

 

Continuará…


Todas las imágenes. Craven © Daniel Tubau, 2004


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Cinema and comics

Understanding new audiovisual media 4

comic-en blanco

The dialogue balloons of this comics character are empty, and the reader can try to fill them in to build a story. When this exercise is proposed to students during a lesson on scriptwriting, some very  interesting results emerge: first, students build a narration without noticing it, which shows that telling stories is simpler that what is commonly believed, especially when such an exercise is demystified thanks to Comic Books, a medium which has been largely ignored until now.

comic- fuera de balloon

Also, almost every student makes the same mistake, they do not respect the rules of this medium: They write  outside the lines of the dialogue balloons. A similar mistake in cinema would have a character speaking without moving his lips: indeed, the dialogue balloon is the equivalent to sound in an audiovisual medium.


comic-largo

Or they leave an empty dialogue balloon. In a film, it would be like having a character moving his lips but producing no sound. It might be a way to represent silent films in a comic book, but films are not silent. In any case, it breaks the basic laws of comic books.


comic-ininteligible

Or they use tiny letters, often very difficult to read. In an audiovisual production, it would be like having actors speaking too low, consequently producing unintelligible dialogues.

Other codes from this medium escape comic books readers since they only perceive them implicitly. However, those codes were created at some point by authors as innovating as the first directors who decided to move the camera in order to follow the actors.

 

To be continued…


All the images: Craven © Daniel Tubau, 2004


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Understanding New Audiovisual Media

(1) Why the Seventh Art? 
(2) Audiovisual extensions
(3) Cinema and other media

contact: danieltubau@gmail.com

 


lasparadojasThis article is a selection of passages taken from my book, The scriptwriter’s paradoxes: rules and exceptions in the practise of a scenario (Las paradojas del guionista, Alba Editorial, 2007) aimed at people interested in scriptwriting, and narration in general. The book explores the different theories and manuals existing on the subject, while listing forty paradoxes with which a scriptwriter might be faced.

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El cine y los otros medios

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 3

reji-logo

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales (1) ¿Por qué el Séptimo Arte? y (2) Extensiones audiovisuales

En sus orígenes, el cine dependía demasiado del teatro y no aprovechaba sus posibilidades como medio nuevo y diferente: se hacían películas que parecían teatro grabado. La cámara era como un espectador sentado en su butaca, incluso más pasiva, pues ni siquiera dirigía su atención hacia uno u otro lugar, sino que recogía, inmóvil, todo lo que pasaba delante de ella.

Poco a poco, los cineastas empezaron a descubrir que el cine no tenía por qué imitar al teatro y que la cámara se podía mover, incluso aunque no se movieran los actores.

Otra de las grandes ventajas del cine respecto al teatro era que no estaba limitado en cuanto a decorados. Cada escena podía transcurrir en un lugar diferente: en una calle, en una casa, en un gran hotel, en un barco, en un tren.

Presentación del proyecto A (Alpha) de Stathis Athanasiou.

Presentación del proyecto A (Alpha) de Stathis Athanasiou, que pone al cien al servicio de su “pariente natural”, el antiguo drama griego.

El cine, el nuevo medio ya plenamente entendido, como diría McLuhan, llegó a sus máximas cotas de expresión hacia 1930.Y entonces retrocedió durante un tiempo casi a sus orígenes y volvió a mirar al teatro como fuente de inspiración. La culpa fue de la invención del sonido cinematográfico. Hasta ese momento nadie se había preocupado mucho por escribir diálogos, ya que bastaba con darles unas pautas a los actores y que pareciese que estaban hablando de asesinarse o de amarse. El guión, al menos tal como se conoce hoy en día, nació gracias al cine sonoro, pero el cine sonoro también logró evolucionar gracias al guión.

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