Why the Seventh Art?

UNDERSTANDING NEW AUDIOVISUAL MEDIA /1

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The Grand Lake Theatre in Oakland (1926) [Daily Mail]

“Audiovisual media” is a term, which, arbitrarily, includes diverse elements such as fictions, documentaries, TV programs, art-videos and many other contents which can be viewed on a computer screen or a mobile phone. This is quite an arbitrary grouping, since a theatre play or a conference both come under the audiovisual field.

For a great part of the 20th century, cinema was the dominating audiovisual media, even though from the fifties on, he had to compete with television.

SunsetBoulevard

Norma Desmond watching her films in her Home Cinema

One of the first theorists in this field, Ricciotto Canudo, maintains that cinema is not just an artistic media, but definitely the “Seventh Art”, which he perceives as the only true outcome of all classical arts: painting, sculpture, poetry, dance and music.

This is why by taking into account its similarities and its differences with the other artistic media (comic strips, theatre, literature or even music) the cinematographic media can be understood. Some do not use sound, such as classic comic strips (comics in the form of
animations, a booming and rapidly evolving medium, allow for the use of sound); some others don’t use pictures, such as music, but they are all, like cinema, fundamentally sequential media.

To be continued…


lasparadojasThis article is a selection of passages taken from my book, The scriptwriter’s paradoxes: rules and exceptions in the practise of a scenario (Las paradojas del guionista, Alba Editorial, 2007) aimed at people interested in scriptwriting, and narration in general. The book explores the different theories and manuals existing on the subject, while listing forty paradoxes with which a scriptwriter might be faced.

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Originally posted 2016-01-26 18:09:40.

Cinema and other media

Understanding new audiovisual media 3

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Understanding New Audiovisual Media (Daniel Tubau) Read first: (1) Why the Seventh Art? and (2) Audiovisual extensions

When it began, cinema depended too much on theatre and did not make the most of all the possibilities it could offer as a new medium: to direct a film was just like shooting a theatre play. The camera’s point of view was that of a spectator in a seat, it could even be said that the reception was more passive since attention did not divert once while still noticing everything that was happening before it.

Little by little, directors discovered that cinema had no reason to copy theatre and that a camera could move even though actors did not. Another great advantage of cinema compared to theatre concerns the settings. Each scene can take place in a different location: in a street, a house, a great hotel, a boat, in a train.

Presentación del proyecto A (Alpha) de Stathis Athanasiou.

A (Alpha) de Stathis Athanasiou.

According to McLuhan, it’s around 1930 that film, a fully-fledged medium, completely mastered its force of expression, after what it regressed and went back to its origins, drawing once again inspiration from theatre. Sound is the reason for this regression. Indeed, until then, no one had to deal with dialogues, since all that actors needed were a few directives to set the tone, thus conveying the impression that they talked about love or hatred. The scenario, in its current form, was born thanks to sound films, which have in return been altered by the scenario.

To be continued…


lasparadojasThis article is a selection of passages taken from my book, The scriptwriter’s paradoxes: rules and exceptions in the practise of a scenario (Las paradojas del guionista, Alba Editorial, 2007) aimed at people interested in scriptwriting, and narration in general. The book explores the different theories and manuals existing on the subject, while listing forty paradoxes with which a scriptwriter might be faced.

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Originally posted 2016-01-28 13:47:02.

A fascination for the tool

|| Understanding new audiovisual media 9

herramientaUntil now, we have insisted on the characteristics of different artistic media and on the specificity of the cinematographic or audiovisual medium. It is as though the scriptwriter (or director in general) had to adapt and to limit oneself to a medium in which one works, nothing is less reasonable. It is necessary for one to know the medium in which one works, without eclipsing what happens beyond it. Thus, Rudolf Arnheim warns us of the “fascination for the tool”, referring to technique as such, to which art lovers are inclined, but that can lead them to be limited in their creations:

“Any significant technological discovery creates a wave of exploratory interest, which could only be satisfied with the creation of a pretext for this exploration. In the while, what is communicated is less important than the medium with which it is communicated. On the long term, once the change has been done, the new technology is assimilated and the content restores its primacy (5)”.

 

 

 

 To be continued

 


Photomontage: Daniel Tubau

ficha-danieltubau-enUnderstanding New Audiovisual Media

1) Why the Seventh Art? 
(2) Audiovisual extensions
(3) Cinema and other media
(4) Cinema and comic
(
5) Cinema and literature
(6) Cinema and television
(7) The new audiovisual media
(
8) Interactive television

contact: danieltubau@gmail.com


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Originally posted 2016-02-21 11:28:12.

¿Pourquoi le septième art?

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Le Grand Lake Theatre in Oakland (1926) [Daily Mail]

 « Médias audiovisuels » est un terme qui englobe, de façon arbitraire, des éléments aussi divers que les fictions, les documentaires, les programmes télévisés, l’art-vidéo et bien d’autres contenus qui peuvent être visionnés sur un écran d’ordinateur ou de téléphone portable. Regroupement somme toute arbitraire, puisqu’une pièce de théâtre ou une conférence relèvent également de l’audiovisuel.

SunsetBoulevard

Norma Desmond dans son Home Cinema (Sunset Boulevard, Billy Wilder)

Pendant une grande partie du XXe siècle le cinéma fut le média audiovisuel dominant, bien qu’à partir des années 50 il eu à faire à la concurrence télévisuelle. Un des premiers théoriciens dans le domaine est Ricciotto Canudo : il affirme que le cinéma n’est pas simplement un médium artistique, mais bel et bien « le septième art », qu’il conçoit comme le véritable aboutissement des arts classiques: peinture, sculpture, poésie, architecture, danse et musique. Pour cette raison, le médium cinématographique ne peut être compris que si l’on prend en compte ses ressemblances et ses différences avec les autres médias artistiques comme la bande dessinée, le théâtre, la littérature ou encore la musique. Les uns n’utilisent pas le son, comme les bandes dessinés classiques (  Les comics sous forme de films d’animation, un média en plein essor et connaissant une évolution rapide, permet l’utilisation du son); les autres n’utilisent pas l’image, comme la musique, mais tous, à l’instar du cinéma, sont des médias fondamentalement séquentiels.

A suivre…


lasparadojasreji-logoCet article est une sélection d’extraits de mon livre Les paradoxes du scénariste, des règles et des exceptions dans la pratique le scénario (Alba editorial, 2007). Il a été publié à l’occasion d’une conférence à Paris en 2008, “Europeennes Rencontres des Jeunes et de l’image».

Web page: Las paradojas del guionista
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Les paradoxes du scenariste

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Las paradojas de Las paradojas del guionista, aunque aquí se añaden nuevas ideas y consideraciones, mostrando que incluso existen interesantes excepciones a las propias excepciones.

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Originally posted 2016-01-28 14:47:02.

Cinema and literature

Understanding new audiovisual media 5

The reader can try to transfer this literary text to a cinematographic medium.

“I had been walking for half an hour when I saw the house. I rang the bell and nobody answered. I walked in a corridor where walls were covered with walls filled with books and I entered the living room. No one was there. On a table, several bottles. I poured myself a glass and sat down. Someone rang at the door. I opened it.

__Hi-

__Hi

We entered the living room and sat down.

It was three o’clock p.m.”

 

Grandes esperanzas, de Charles Dickens (Ilustración de Marcus Stone, 1890)

Great Expectations, Charles Dickens (Ilustration of Marcus Stone, 1890)

When the reader decides to translate it in a screenplay in which everything that is necessary to its production appears (localisation, actors, accessories), some surprising results are obtained. The most astonishing aspect is that 80% choose a male protagonist.
The reader can read the text again and notice that nothing indicates the character’s gender. Such an unbalanced result between men and women cannot be pure coincidence. Obviously, some implicit narrative codes have us think that the main protagonist of a story is always a man. Codes and inventions, yet so well defined, as in comic books, go almost always unnoticed. The fact of the matter is that male (90%) and female (76%) students choose a male protagonist, a choice remaining possible since nowhere in the text any clue indicates the protagonist’s gender.

To allow uncertainty to persist regarding a character’s gender is something easy to do in literature but very complex in cinema, unless the story concerns a transsexual or someone wearing a mask. It will be very difficult then to hide the singularity of the situation to the viewer without resorting to a subjective camera.

Fantomas, 1911

Fantômas (Pierre Souvestre and Marcel Alain)

If a character in a novel enters a living room, some descriptions, which are essential in literature become useless in cinema: the fact that there’s a fire in the fireplace, the number of books in the living room, the presence of daylight in the room, this is all seen straightaway by the viewer. In cinema, the reader’s imagination is replaced by the work of set designers, director of photography and costume designers. Even when the scriptwriter does not write explicitly about the settings or the costumes, the director will have to choose between a classic and a modern seat, between a blue and a red dress, between one actor and another one, between a country house and an apartment. In a film, nothing is ever left to chance: walls are built following the set decorator’s precise instructions, comedians wear costumes selected by the costume designers, light depends on the director of photography and actors repeat sentences written by the scriptwriter and move following the director’s indications. All these choices are important, since they condition narration in a definitive way.

In addition, the characteristics of audiovisual media enable one, obviously, to do things which would be unthinkable with another support. In Deconstructing Harry, Woody Allen tells the story of an actor, played by Robin Williams, who is out of focus. The idea is to understand that the camera does not cause this but that this is the character’s own attribute, such as having the flu. It’s something, which would not really have any meaning in a novel: it must be seen.

Robin Williams desenfocado en Desmontando a Harry, de Woody Allen

Robin Williams out of focus in Deconstructing Harry (Woody Allen)

 

To be continued…


 

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(2) Audiovisual extensions
(3) Cinema and other media
(4) Cinema and comic

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Originally posted 2016-02-01 11:30:40.

Muchos lugares, un mismo escenario

|| Defensa de Shakespeare y ataque 11

En La improbable verosimilitud de Shakespeare me referí a la regla de las tres unidades (lugar, tiempo y acción) que se atribuyó a Aristóteles por los preceptistas del Renacimiento y que adoptaron los clasicistas franceses. Allí hablé de cómo Shakespeare se saltaba la unidad de lugar y trasladaba la acción de un lugar a otro sin importarle la supuesta inverosimilitud de que en un mismo escenario de un teatro se representasen lugares diferentes. 

En cuanto a la llamada “unidad de tiempo”, es decir que la obra trascurra en un tiempo delimitado, algo así como el trascurso de un día, dice Samuel Johnson en su Prefacio a Shakespeare:

“Una obra dramática afecta al espíritu tanto como una obra representada. Así pues, se entiende que la acción no es real y, por tanto, se puede admitir que entre los actos transcurre un espacio mayor o menor de tiempo, y que el espectador de la obra no va a tener más en cuenta la duración o el espacio que el lector del relato, ante el cual pueden transcurrir en una hora tanto la vida de un héroe como las revoluciones de un imperio”.

Es decir, tan inverosímil resulta que en una hora de representación, es decir en la hora que el espectador pasa en su asiento, en el escenario transcurran meses y años, como sucede en Macbeth o en El mercader de Venecia, tan inverosímil es eso como lo es lo que pedían los preceptistas y clasicistas: que en una hora de representación un príncipe se corone rey, que libre una batalla y que sea destronado, que es lo que sucede en muchas obras que buscan esa verosimilitud de tiempo.

Macbeth observa el bosque de Birnam avanzar hacia su castillo

Macbeth observa el bosque de Birnam avanzar hacia su castillo

Es cierto que hay obras en las que el tiempo de la representación y el dramático coinciden con precisión y de manera absolutamente verosímil, como en el Edipo rey de Sófocles, en el que el espectador es informado de acontecimientos separados por años, pero lo sabe gracias al testimonio de diversos personajes que lo cuentan, como si se tratara de un flashback que el espectador debe imaginar por sí mismo. Y podemos suponer que así sucedía en los teatros griegos, pues no tengo noticia, o al menos no me viene a la memoria ningún dato que me lo indique, de que en la escena griega se representara de algún modo lo que el testigo o el mensajero iba recordando, aunque resulta difícil creer que no se le hubiera ocurrido ese recurso a algún griego imaginativo.

Continuará…


prefacioashakespeare

Defensa de Shakespeare y ataque

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Ver también: Escribir sobre Shakespeare

Todas las entradas de literatura en: El resto es literatura

WILLIAM SHAKESPEARE

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Originally posted 2016-11-09 14:28:15.

La fascinación por la herramienta

|| Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 9

 

herramientaHasta ahora, he insistido en las particularidades de los diferentes medios artísticos y de lo específico del medio cinematográfico o audiovisual, así como de la necesidad de conocer las características de cada medio. Podría parecer que la tesis es que el guionista (y el cineasta en general) debe adaptarse y limitarse al medio en el que trabaja, pero nada más lejos de lo razonable. Es cierto que es necesario que conozca el medio en el que se trabaja, pero no hasta el punto de no ver más allá de él. Rudolf Arnheim nos advirtió ya hace muchos años del peligro de la “fascinación por la herramienta”, del amor a la técnica en cuanto tal, algo a lo que son proclives los amantes de cualquier arte, y que suele limitar sus creaciones:

“Cualquier descubrimiento tecnológico significativo creará una oleada de interés exploratorio que sólo puede satisfacerse inventando un pretexto para la exploración. Durante algún tiempo, lo que se comunica es menos importante que el medio por el que se comunica. A la larga, al final del camino, la nueva tecnología se asimila y el contenido restablece su primacía”.

 

 Continuará…


 

La cita de Arnheim en: Alejandro Montiel, Teorías del cine.
Fotomontaje: Daniel Tubau

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6) Cine y televisión
(7) Los nuevos medios audiovisuales
(8) La televisión interactiva

 


lasparadojasreji-logoEste artículo es una selección de algunos pasajes de mi libro Las paradojas del guionista, reglas y excepciones en la práctica del guión (Alba editorial, 2007) que escribí con motivo de mi participación en un congreso en París en 2008 llamado “Rencontres Europeennes des jeunes et de l’image”.

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La improbable verosimilitud de Shakespeare

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La mujer de Diómedes en el atrio de la mansión pompeyana del príncipe Napoleón, Gustave Boulanger, 1860

La mujer de Diomedes en el atrio de la mansión pompeyana del príncipe Napoleón, Gustave Boulanger, 1860 [Public Domain via Wikipedia Commons]

Después de enumerar una interminable suma de defectos que llega a hacernos dudar de si quedará todavía algo que elogiar en Shakespeare, Samuel Johnson comienza a desgranar las virtudes del dramaturgo inglés.

Es aquí donde se puede leer la célebre anécdota acerca de la verosimilitud. Se reprocha a Shakespeare, nos dice Johnson, romper las convenciones del teatro tradicional, como la unidad de tiempo y lugar. En el primer acto los personajes están en Sicilia, y en el segundo en Atenas, pero, ¿cómo puede creer un espectador, que no se ha movido del teatro en ningún momento, que ahora esté en Atenas y un momento después se encuentre en Sicilia? Johnson responde que el espectador nunca ha creído que se encontrara en Sicilia o en Atenas, sino que en todo momento ha sabido que se hallaba en el lugar donde tales cosas son posibles: un teatro.

Argumentos parecidos a este de Johnson se encuentran en el Racine et Shakespeare, de  Stendhal, y en el Prefacio a Cromwell, de Victor Hugo:

“No hay nada tan inverosímil y tan absurdo como el vestíbulo, el peristilo o la antecámara, sitios públicos en los que nuestras tragedias se desarrollan, en los que se presentan, no se sabe cómo, los conspiradores a declamar contra el tirano y el tirano a declamar contra los conspiradores, por turno, como si se hubieran dicho bucólicamente: “Alternis cantemus; amant alterna Camenoe” (“Cantemos alternativamente, las Musas aman el canto alterno”, Virgilio, égloga III). ¿Han existido jamás peristilos de esa clase? ¿Hay algo más opuesto, no sólo a la verdad, sino también a verosimilitud?”

Entiendo que las palabras esconden una crítica al uso de esos peristilos teatrales, de esos atrios rodeados de columnas situados en el escenario de los teatros franceses, donde los personajes se jugaban su futuro, declamando al aire mismo, como también se hacía en la ópera, cuando Ariodante y Ginebra, o Lucia y Edgardo declamaban mirando hacia el público, sin cruzarse siquiera una mirada fugitiva. Se trataba de una puesta en escena muy artificiosa, pero que respetaba la supuesta (quizá de manera errónea) esencia de la ópera: el público va allí a escuchar, no a ver. Según los cronistas antiguos, el público iba a la ópera no a escuchar, sino a hablar. A hablar durante toda la representación y a escuchar a sus amigos, no a los cantantes, aunque de vez en cuando hacían una pausa para escuchar las arias más celebradas.

Hay que decir, por otra parte, que esa representación ateatralizada es una tendencia de nuestra época, que a veces muestra el poder de un escenario desnudo, como en tantos grandes montajes shakesperianos de Declan Donnellan. Aunque siento gran admiración por Donnellan y por los directores que devuelven a los actores su poder sobre las tablas, me parece que a veces llegan a extremos de minimalismo excesivos, que hacen que la representación se parezca más a un recitado de versos y prosas que a una dramatización teatral. Esa es la impresión que me llevé del montaje, realizado por el propio Donnellan, de Macbeth.

En mi opinión, en  la dramatización no está solo el texto en sí, sino también la escenificación del espacio y el tiempo, el trascurso de las horas y el recorrido en el espacio, elementos que nos trasladan de manera narrativa de una a otra declamación y que hacen que aquello sea una obra dramática, y no tan solo una sucesión de textos o una mera demostración de virtuosismo versificador y de habilidad recitadora. Tampoco hay que olvidar que el propio Shakespeare, a pesar de los escasos medios con los que contaba, siempre quiso crear la ilusión en el espectador de que en esa O de madera estaban los campos de Francia, que temblaban ante la carga de la caballería, aunque para ello el espectador tuviera que poner mucho de su parte.

Macbeth en el montaje de Declan Donnellan

Macbeth en el montaje de Declan Donnellan

En cuanto a la pregunta de Víctor Hugo acerca de si existieron alguna vez esos peristilos, la respuesta es  sí. Sí que existieron. Existieron en Grecia, en Egipto, en Roma e incluso en el magnífico palacio de Knossos. Y es muy probable que más de una vez algunos conjurados planearan, en uno de esos lugares, un asesinato como el de César.

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Sala de la columnata de Knossos. ¿Puede dudarse de que exista la belleza tras ver esto?

Continuará…


prefacioashakespeare

Defensa de Shakespeare y ataque

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Ver también: Escribir sobre Shakespeare

Todas las entradas de literatura en: El resto es literatura

WILLIAM SHAKESPEARE

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La televisión interactiva

Entendiendo los nuevos medios audiovisuales 8

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Antes de que empezará a contar con las posibilidades interactivas de los ordenadores, la interactividad había llegado  a la televisión de varias maneras, por ejemplo con los mensajes SMS que se pueden recibir en tiempo real y ver en la pantalla del televisor. Éste es un ejemplo tosco de lenguaje no lineal: el espectador puede elegir entre leer los mensajes de SMS que aparecen en la pantalla o seguir el programa de la televisión, o ambas cosas a la vez si es capaz. Pero hace ya bastantes años surgieron propuestas de interactividad televisiva mucho más sofisticadas, desarrolladas sobre todo en Estados Unidos, en los países nórdicos y en Gran Bretaña y que algunos llaman crossmedia, porque mezclan medios como la televisión, los ordenadores o la telefonía. En Masterplace, el espectador decidía qué pruebas tienen que hacer los participantes; en Thunderyard, cada persona elegía qué capítulos quería ver de una serie y en qué orden; en Tweeby, un canal de televisión infantil, los niños creaban los contenidos desde sus casas y también interactuaban en directo.

De todos modos, como dice Xavier Berenguer en «Escribir programas interactivos», por muy multilineal e interactiva que sea una narración, siempre será recibida por el espectador en forma lineal:

“Todos los narradores se enfrentan al mismo problema, esto es, desplegar una serie de acontecimientos a lo largo del tiempo. La única diferencia es que en el medio interactivo se ha de prever más de un despliegue, se han de prever muchos, y cuanto más variados mejor.

Todo esto, por supuesto, ya se podía hacer antes del advenimiento del mundo digital, pero ahora la narración no lineal y multilineal, o la interactividad, están conociendo un desarrollo impresionante. De qué manera cambiará esto el lenguaje audiovisual todavía no se sabe, pero sí está claro que se están creando nuevos híbridos entre cine, literatura y cómic en las diversas pantallas: cine, televisión, videojuegos, teléfonos móviles, ordenadores. Eso significará un mercado de trabajo inmenso para los guionistas, porque hay que recordar que los guionistas no se limitan a escribir para el cine o los programas, las series de televisión y los documentales, sino que también hay guiones detrás de cosas como videoclips, vídeos de karaoke, páginas web o animación virtual de todo tipo. Y también detrás de los videojuegos, que algunos consideran ese octavo arte perdido entre el séptimo (cine) y el noveno (cómic). Así que, quien quiera ser guionista profesional no puede limitarse a entender el medio audiovisual sólo en su aspecto más llamativo (el cine), en el que pocos guionistas llegan alguna vez a trabajar: tienen que pensar en las nuevas pantallas.

 

 Continuará…

 


Fotomontaje: Daniel Tubau

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(1) ¿Por qué el Séptimo Arte?
(2) Extensiones audiovisuales
(3) El cine y los otros medios
(4) Cine y comic
(5) Cine y literatura
(
6) Cine y televisión
(7) Los nuevos medios audiovisuales

 


lasparadojasreji-logoEste artículo es una selección de algunos pasajes de mi libro Las paradojas del guionista, reglas y excepciones en la práctica del guión (Alba editorial, 2007) que escribí con motivo de mi participación en un congreso en París en 2008 llamado “Rencontres Europeennes des jeunes et de l’image”.

Web page: Las paradojas del guionista
Amazon


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rayuela-bell

The development of computers and digital recording systems, editing and reproduction, has brought important changes in the audiovisual field by making accessible things there were until now very expensive or almost impossible to direct. In films such as Peter Jackson’s The Lord of the Rings, almost 70% of images were treated digitally. The digital revolution has not only brought changes in technique, but also in narration and,  consequently, it changed dramatically the work of scriptwriters.

A noticeable evolution concerns the development of non-linear narrations, which are stories that unfold continuously from the beginning to the end, but that offer many possibilities to the viewer: several evolutions can be chosen, or several outcomes are made possible.

When Julio Cortazar wrote Hopscotch, he tried to do something similar: the reader must not read the book from the first chapter until the last one, but can start wherever he/she wants, and skip chapters just as he/she wishes. In the same way, in an audiovisual narration made for an IT support (but also for television or a mobile phone) the scriptwriter can provide the viewer with several possibilities, creating thus personalised plots.

If interactivity with the viewer is something that can always be resorted to in theatre, it is not the case with cinema. Modern artistic performances, happenings and other contemporary art performances also try to create such interactivity.  Audiovisual media, including cinema, used to remain outside this evolution, but things have changed very quickly.

To be continued…

 


Photomontage: Daniel Tubau

 

ficha-danieltubau-enUnderstanding New Audiovisual Media

1) Why the Seventh Art? 
(2) Audiovisual extensions
(3) Cinema and other media
(4) Cinema and comic
(
5) Cinema and literature
(6) Cinema and television

contact: danieltubau@gmail.com

 


lasparadojasreji-logoThis article is a selection of passages taken from my book, The scriptwriter’s paradoxes: rules and exceptions in the practise of a scenario (Las paradojas del guionista, Alba Editorial, 2007) aimed at people interested in scriptwriting, and narration in general. The book explores the different theories and manuals existing on the subject, while listing forty paradoxes with which a scriptwriter might be faced.

Web page: Las paradojas del guionista
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